Anthony McCall--雕刻的光

1973年，英国艺术家Anthony McCall拍摄了他人生中第一部正式的电影《Line Describing a Cone》，其中涉及了超越电影既定边界的雕塑、绘画以及三维装置等多种艺术形式，从理念及实际效果层面重新定义了电影的内涵，而Anthony McCall本人也因此被称作是将电影与装置艺术进行交互实验的先驱。

△Anthony McCall

身为20世纪70年代伦敦电影制作人合作社的一员，Anthony McCall在其职业生涯的早期主要专注于利用影像记录户外表演或行为艺术作品，例如他在1972年拍摄的代表作品《Landscape for Fire》就展示了36个装有易燃材料的容器在野外燃烧的过程，旨在捕捉随着时间流逝而消失的瞬间艺术。



在《Landscape for Fire》备受关注之后，Anthony McCall移居纽约，并开始了一系列结合电影与装置艺术的先锋实验。他在这一创作阶段深刻地意识到了胶片电影及其放映形式的局限性，时间、光线乃至三维物体都被束缚在16毫米宽的胶片之中，即便是拍摄者本人，也只有在放映的那一刻才能真正了解自身的作品。



因而，Anthony McCall凭借颠覆性的前卫思维重新诠释了电影艺术的丰富概念，他将放映影片这一行为本身作为其艺术表达的主体，将影片精简为“时间”和“光线”两大基本组成部分，通过使用放映机进行投影的方式，将电影从单纯的二维影像转换为三维的装置艺术。



《Line Describing a Cone》正是Anthony McCall在此时期的代表作之一，他参考了电影院的空间特性，通过安装在不同角度的放映机和烟雾装置在室内投射出迥异的光影效果。物理学中的丁达尔效应使聚集或散射的光线拥有了三维立体的形态变化，呈现出雕塑般的艺术质感。



此外，参观者与艺术品之间的交互关系也是这一系列作品所探讨的核心内容，相较于电影播放等被动接受信息的形式，参观者不仅能够观看，还可以主动参与至Anthony McCall的装置艺术中，其最终呈现的光影效果也会随着人体的走动或遮挡而产生灵活的变化。



从创作理念的角度来看，Anthony McCall的作品具有强烈的解构主义色彩，他并非激进的批判者或是改革者，但身处被既定的艺术风格和固化的思考方式所约束的时代，Anthony McCall的创新构思与80年代兴起的解构主义师出同源，共同创造了更具包容性的艺术氛围。



70年代末期，Anthony McCall停止了他的艺术探索，直到二十年后才开始再次创作，他将自己成熟的思想、实践经验与数字媒体的新技术相结合，用数字动画和数字投影机替换过去的放映机和胶片，于2004年惠特尼双年展上发布了新作《Doubling Back》。此后，他在世界各地举办个展或参与不同形式的群展，并于2016年获得了美国艺术文学院颁发的艺术与文学奖。