赫莱娜 比奈特丨光的哲学家
比奈特在过去40年里，一直拍摄当代和历史建筑，合作的建筑师包括扎哈·哈迪德、丹尼尔·里伯斯金和彼得·卒姆托等具有影响力的设计师。她被认为是全球最杰出的女性建筑摄影师之一，她的作品不仅出版成书，展出于全球各地，还获得了国际奖项。比奈特以只用胶片拍摄和大多拍摄黑白照片而闻名，即使在数字摄影已然主导的职业生涯中，她仍坚持这一风格。
她的近距离拍摄旨在“解构”那些通常已经非常知名的建筑。
尽管比奈特认为当代许多建筑摄影“技术上非常出色”，但她也感到这些影像往往缺乏某些重要的东西。“它们如此完美，以至于你无法真正进入它们——你始终处在外部。”她继续说道，“建筑师们曾经非常希望艺术家能够参与他们的项目，并希望作品有一个强烈的诠释。而现在，大多数照片看起来都一样。我无法说‘这是某某人的照片’，以前你能认出风格，现在不行了。”
比奈特为建筑师戈特弗里德·伯姆拍摄了位于德国科隆的圣葛特露德教堂，以庆祝这位建筑师的百岁生日。
对于比奈特来说，这种优先级的变化是一种令人遗憾的现象。“为什么会有这种平淡无奇的趋势？”她问道。“这种需求究竟是什么？当然，这与社交媒体和快节奏消费有关，但我不太清楚这种对快速消费的需求究竟是怎么回事。”比奈特认为，对抗社交媒体和缩短工作周期的对策是“保持视角的新鲜感”。“你必须能够像第一次看到它一样去看一座建筑，”她解释道。“拍照是重新发现事物的机会，是去看到那些你通常不会注意到的东西——因为你以为自己已经了解了它，或者从未真正花时间去看。”
比奈特出生于瑞士，1980年代在伦敦建筑联盟（AA）学习后开始了她的职业生涯。她的早期影响来源于匈牙利摄影师吕西安·赫尔维，她说赫尔维向她展示了在建筑摄影中“既有职业性，同时也可以作为一个艺术家进行探索”。赫尔维与勒·柯布西耶合作的书籍和照片自比奈特很小的时候就围绕在她身边，这也是她爱上黑白摄影的原因。
比奈特的作品常常聚焦于建筑的细节，激发观者去想象建筑的其余部分，例如她在瑞士比尔-本肯拍摄的卒姆托设计的斯皮特尔霍夫住宅项目中的这一影像。
除了赫尔维之外，比奈特还特别强调，“很早就有非常出色的女性摄影师——虽然数量不及男性多，但与其他领域相比，女性摄影师在早期就做得非常好，能够以艺术家的身份维持生计。”
她提到了20世纪早期和中期的摄影师，如蒂娜·莫多蒂、李·米勒、贝雷尼斯·阿博特和露西亚·莫霍利。这些女性中，有几位在比奈特20世纪80年代开始职业生涯时仍在工作，她们的成功让比奈特在面对作为女性从事建筑摄影的前景时充满信心。“我从未因此感到孤单，”她说道，“这不像建筑师、指挥家或其他一些需要很长时间才能接受女性的职业。”比奈特还提到了当代摄影师朱迪思·特纳的作品对她的影响，但她最为热衷的是包豪斯摄影师们，如拉斯洛·莫霍利-纳吉、沃尔特·彼得汉斯、露西亚·莫霍利和埃里希·康斯穆勒。“这种自由的感觉深深激励了我，并引导了我多年的创作。”“他们就像我的导师，”她说，“我爱他们，因为他们教会了我关于摄影的一切：我们如何从各个角度观察或拍摄物体，摄影作为一种独立的艺术，以及如何赋予物体生命并将其转化为艺术。”比奈特的许多作品，包括她拍摄的万神殿或安德烈亚·帕拉迪奥设计的意大利别墅，常常聚焦于建筑的细节，通过留白让观者去想象这些细节之间的关联。
比奈特目前正在进行一个重新审视帕拉迪奥作品的项目。
她将这种方法描述为对主题的“解构”。“尤其是对历史建筑，解构无疑是我早期作品中的一部分，”她说道，“你通过解构去发现一座建筑。” “对我来说，非常重要的是我展示一些东西，但同时也让你去想象那些你没有看到的部分。如果我只展示一半的曲线，那么你就会开始思考‘这是什么？为什么它会在这里？’”她用音乐类比来解释她的哲学。“我尊重乐谱，我想了解它所属的时代，但我会演奏出自己的旋律。这是我的诠释。”比奈特职业生涯中一个关键时刻是与瑞士建筑师彼得·卒姆托的合作，她说他“教会了我很多关于建筑与环境之间关系的知识”。她回忆道：“他对这一切如此细致入微，充满理解，并且对场地有着深厚的热爱——他会利用自然、植物。通过与他的合作，我逐渐开始更多地欣赏这些方面。”
比奈特的许多作品都是黑白摄影，包括她拍摄的斯里兰卡卢努甘加花园系列。
比奈特表示，她之所以常常偏爱黑白摄影，是因为“在黑暗中你能听到更多的声音”。她解释道：“起初，我大量使用黑白摄影，是为了营造一种抽象感，这种抽象能够引发更多的问题。”
比奈特解释道：“光影的主题在我的作品中一直非常重要。”
“2002年，我受邀围绕这个主题进行创作，我当时想‘在哪里能找到最丰富的不同类型的阴影表达？’当然是在一座修道院，因为那里既有精神功能，也有实用功能和社交功能。” “能够拍摄勒·柯布西耶设计的这样一座美丽的建筑一直是我的梦想。所以那天是个重要的日子——我选择了一个相对‘干燥’的空间，想着‘让我们看看有哪些阴影能把你引向走廊或楼梯’。这些空间位于两个功能之间，通向的是一个精神性的场所。”“在这张照片中，你可以进行各种诠释，因为阴影可以成为知识的来源，但它们也是能量的缺失，这并不意味着它们是无声的。”
罗马万神殿前廊的细节
“万神殿是我职业生涯刚开始时拍摄的，所以有时我谈到它时会感到有些害羞，”比奈特说道。“这张照片表达的是一种愿望，即想要以一种不太亲密的方式去看待一个非常知名的建筑。”“我想探索解构的可能性——与某个你以为自己已经熟悉的东西进行非常个人化的对话。它是一座创造光的建筑，透过其穹顶天窗。它的设计是一个完美的球体嵌在一个圆柱体中，你只能想象球体的全貌，却无法完全捕捉它。所以，我的工作就是通过照片来支持这种只能被想象的概念，这也是一个非常有趣的挑战。”
勒·柯布西耶，《光明的准则》，圣玛丽·德·拉图雷特大教堂，法国埃维，2007年
Gottfried Böhm，圣马太教堂，德国杜塞尔多夫，2020年Gottfried Böhm, Church of St. Matthew, Düsseldorf, Germany, 2020
彼得·卒姆托工作室，瑞士格劳宾登州，2006年Atelier Peter Zumthor, Graubünden, Switzerland, 2006
这组三联照片拍摄于彼得·卒姆托设计的瑞士瓦尔斯著名的温泉浴场。每一张照片都完美地传达了建筑师将光引入建筑材料的独特感知，这也解释了他的建筑在字面意义上极具‘可拍性’的特质。更重要的是，比奈特将这些影像视为一个连续的序列，这似乎与图像单一性的概念相矛盾。瓦尔斯的三联照片完美展示了图像的单一存在与多重性并非相互排斥，反而相互增强。
智利阿塔卡马沙漠的雾气形成Fog formations, Atacama Desert, Chile
Stierli表示：“比奈特拍摄的一系列关于智利阿塔卡马沙漠雾气形成的照片，或许是她最为突破传统建筑摄影的作品之一。”这组照片将建筑视为物质聚合过程中的一个小插曲，探索了形成与消散的必然过程。比奈特将建筑理解为更大物质生态的一部分，并尝试弥合文化与自然之间的鸿沟：人类制造的人工制品在自然过程的背景下被重新审视，它们的形成与消散、聚合与熵散，都反映了建筑最终试图超越时间这一愿望的徒劳性。
意大利拉蒂纳斯佩隆加的楼梯Staircases in Sperlonga, Latina, Italy
这张首次发表的楼梯交汇处的照片，拍摄于意大利海滨小镇斯佩隆加，是比奈特早期作品中关于‘地面’主题的例子之一。贯穿所有章节的主题都是‘地面’。在她的作品中，赫莱娜特别关注的是，不仅让观者反思建筑本身，还让他们反思我们作为人类与地球的关系。
情感地形学
由迪米特里斯·皮基奥尼斯设计的雅典卫城景观改造中，通往帕特农神庙的路径或许是比奈特最著名、最具代表性的照片之一。“‘地面’在比奈特的作品中扮演了至关重要的角色，我发现她能够在一张照片中捕捉到构造形式在建成环境和自然环境中触感与纹理的存在，这一点非常有吸引力。”
彼得·卒姆托设计，科隆巴博物馆，德国科隆
卒姆托在比奈特的职业生涯中占据了特殊的地位，他们的合作创作了一些比奈特最具震撼力的摄影作品。比奈特和卒姆托都对建筑的现象学理解有着深刻的投入。除非另有说明，照片均由赫莱娜·比奈特提供。
谈到她的创作哲学，比奈特表示：“我尊重乐谱，我想了解它所属的时代，但我会演奏自己的旋律。”“现在我爱上了色彩，但最初，我的确有一种不想表达太多的愿望，留给观者空间去想象。如今，我更多地使用色彩，并在其中寻找可以控制色彩的地方。”
比奈特说道：“2018年，我决定拍摄我之前参观过的花园，并认为它们有很大的潜力。”“那些花园有着非常独特的墙壁——它们以某种方式在进退之间，与城市的关系也很特别。我没想到会在墙上发现这样一个微观世界；苔藓和地衣创造了这一片景观。墙面非常具有画面感，植物的生长方式让我想起了中国画。”“你能看到水、风、土等元素——在这样一个表面上显得非常强烈。因此，我选择用彩色拍摄这些照片，以保持生命的气息。”在中国江苏省的苏州古典园林中，表面变成了空间；墙壁化作了风景。
“虽然这些花园本身郁郁葱葱，且经过广泛的景观设计，但比奈特停留在那些不起眼的角落和墙壁前，光秃秃的树木和孤独的枝条映衬在背后。淡色的背景上布满了时间的痕迹、苔藓和积累的污垢，通过比奈特的镜头，这些景象像画布上的艺术作品——优雅地呈现出格哈德·里希特的细腻涂抹，或塞·托姆布雷的枯萎笔触。在赫莱娜·比奈特的作品中，存在着一种戏剧性的或经过精心编排的感觉：她将线条和角度调整到自己想要的位置，静待主角——光与影——登场并进入她设想的位置，准备好特写镜头。”（艾米莉·拉巴尔日，esse.ca）
在她探索这座联合国教科文组织世界遗产的过程中，比奈特捕捉到了环境对建筑结构的影响痕迹。
她这一系列令人印象深刻的摄影作品展示了天气和时间如何将空白的墙面转化为生动的自然景象。在比奈特的影像中，建筑成为了想象中的风景框架。通过交织前景与背景，艺术家讲述了在平面与三维空间之间转换的故事。
“我决定在这些作品之间创造一种对话，因为它们都是对‘未见之物’的反映。苏州园林是一个拥有明确界限的微观世界：墙壁。它们创造出无数的图像与风景的反射，展现了千年前人们如何看待自然，”比奈特说道。白天站在墙前，夜晚研究园林的历史，比奈特将观者的注意力引向一个时空：窗台间闪烁的树叶，池塘中波光粼粼的水面，墙壁上苔藓缓缓生长。“那些日子非常充实，我感觉自己像一个农夫，从早晨的第一缕阳光直到傍晚的暮光在田间劳作，”比奈特回忆道。“这种自然非常精致，我也感到了一种自由感。”比奈特的背景，从她在意大利渔村斯佩隆加的童年，到后来在罗马的生活，再到她早期对赫尔维的发现，以及她与全球建筑大师们的重要合作，塑造了她的作品。正如联合作者马蒂诺·斯蒂尔利在某一章节中所指出的：“比奈特的作品似乎在两种执念之间摇摆：一是将空间现象转化为二维影像的渴望，二是表达光在表面上变化的追求。”斯蒂尔利是纽约现代艺术博物馆（MoMA）的策展人，他在《定位比奈特》中探讨了比奈特的作品如何在这两种执念之间游走：“一方面是将空间现象转译为二维图像的渴望，另一方面是表达光在表面上调和与变化的追求。”
杜塞尔多夫圣葛特露德教堂的九幅影像，德国，戈特弗里德·伯姆设计
2020年，为庆祝伯姆的百岁生日，受邀拍摄了一系列他早期的教堂建筑作品。“我有很大的自由度，因为当你为一个百岁的人工作时，他已经不会考虑自己的未来职业生涯或其他事情——你可以纯粹庆祝他的作品。”“混凝土的多样性一直让我着迷，这种材料的成型既可以感觉柔软、强壮、沉重、压倒一切，也可以表现得有人性和非人性——它可以是任何东西。此外，伯姆赋予了它一种极大的自由感。”“我觉得混凝土的处理方式非常不同：有时它非常阳刚和强硬，而有时它又如此精致，以至于你无法分辨自己是在看折纸还是混凝土。我喜欢这种感觉。”“特别是在教堂中，这种自由让你感到惊讶，你不得不通过这种自由感或混凝土的使用在教堂内部找到属于自己的空间，这是一种解放感。因为虽然这是一个神圣的地方，但它并不会告诉你必须相信什么，而是告诉你要拥有精神上的体验。”
她的作品还包括拍摄历史建筑，如安德烈亚·帕拉迪奥设计的萨拉塞诺别墅。
比奈特认为，年轻摄影师应当“信任自己并大胆去做”。
有照片均由赫莱娜·比奈特拍摄 The photography is by Hélène Binet.
比奈特表示，要实现成功的结合，需要“耐心和力量”。“一个好的项目至少需要两次前往同一个地方，”她认为，“没有什么魔法——天气、光线等等——但你开始工作，拍摄、冲印，然后查看它是否有效。”她补充道：“你永远不应该真的感到满足。我总是觉得，当我完成一个项目时，实际上才是我真正开始创作的时刻。”对于未来一代的建筑摄影师，比奈特的建议是“相信自己”。“20多岁到30岁出头是一个非常具有创造力的时期，如果我回顾自己的作品以及很多其他优秀摄影师的作品，早期的作品是最好的，”她说道。“你可能还不具备所有的技术技能，但这些早期的作品非常珍贵。相信自己，并推动自己前进。无论如何，保持与自己内心的联系。不要过多关注其他摄影作品。”“相信你年轻时的能量——那是一种非常特殊的能量。你体内蕴含着一个非常强大的时刻。相信它，并大胆去做。要有信心！”
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